O retrato como gênero, tem como característica, a tentativa de mostrar a alma do retratado mais que a condição material de seu corpo. Olhamos para um quadro e vemos a subjetividade de pessoa, quase esquecemos que o que está lá é carne, mas é. Me interessou também a maneira como expressões bizarras e novas subjetividades foram aparecendo nas criaturas que ia criando em meu próprio rosto. Sinto vontade de continuar minhas pesquisas nesse campo, mas vamos ver o que acontece.

Desde 2009, ando pela cidade com minha câmera pra registrar algumas facetas dessa selva. Logo passei a me interessar pela arquitetura em crise da cidade. O primeiro projeto foram os galpões da rua Presidente Wilson e região. Trata-se de um resquício arqueológico ainda vivo, prédios zumbis que perambulam estáticos pela cidade; lembranças dos tempos antigos, nos quais a metrópole era uma cidade industrial. Essas construções, a cada dia atropeladas pela especulação imobiliária, parecem acuadas, temerosas do seu fim que se espreita. Na verdade esses prédios já não existem mais e o fato de ainda estarem lá, funcionando, é mais um dos paradoxos urbanos de São Paulo. O que não falta nessas ruas são coisas que não existem circulando em suas quase invisibilidades.

O segundo projeto é sobre a arquitetura de caixas nas ruas atrás do Ceagesp. Um dos maiores interpostos comerciais do planeta gerando milhares de caixas de madeira direto para o lixo. Claro que uma indústria iria se instaurar aí, afinal essa matéria-prima ainda pode ser usada, mesmo que não haja nenhuma condição de higiene para isso. Caixa de madeira é descartável, mas se dermos um jeitinho, sabe como é… E assim começou, nas calçadas, a construção de verdadeiras arquiteturas – e no sentido literal, existem casas lá dentro, afinal durante a noite alguém tem que vigiar os estoques a céu aberto. Os feirantes vendem as caixas pros caixeiros, que ficam lá na rua concertando e revendendo esse material. De vez em quando, aparecem fiscais da prefeitura e quebram tudo. Os caixeiros são pessoas muito humildes que precisa disso pra viver, mas o poder público não pode permitir esse comércio. Está em implantação um projeto de utilizar caixas de plástico reaproveitáveis e assim acabar com esse comércio clandestino. Esse pessoal das calçadas vai ter que se virar como tantos outros pelas ruas da cidade, mas por hora estão lá, vivendo no limiar da própria tragédia.

Por fim tem a serie de Quebradas, uma síntese de algumas fachadas que cliquei por aí. Quis juntar construções que estão em um limite da arquitetura. Algumas abandonadas, outras improvisadas, mas todas precárias. Não quis mostrar a grande arquitetura da cidade, porque ela não é a realidade, são ilhas isoladas. São Paulo é uma cidade feia e essa é a verdade. Belas fotos da cidade são raras, mas isso não quer dizer que se possam encontrar pontos de interesse. Essa série tem como objetivo expor de uma forma estética esses resultados, muito mais das circunstancias que de engenhos estéticos de algum construtor.

Ao abordar a arquitetura, meu foco foi a experiência coletiva que é São Paulo, não como um retrato, que tem por objetivo mostra a face da cidade. Não se pode retratar esse centro urbano sem ser omisso, a pluralidade de pontos de vista e contrastes inviabiliza qualquer polarização. Por tanto não se trata de um retrato, mas de uma perspectiva. O que proponho através das arquiteturas em crise é uma reflexão sobre a formação da cidade, sobre seu processo orgânico de desenvolvimento, sem planejamento ou controle. Não é o poder publico o responsável por esse processo, ele corre independente dele. O governo está sempre atrás de controlar os movimentos espontâneos da cidade e muitas vezes se mostra incapaz ou omisso. Mas a cidade acontece, se transforma, se sobrepõe a seus próprios resto. O que retratei é uma arquitetura das necessidades que se prende ao solo como musgo em uma pedra a margem de um riu de fluxos urbanos.

No trabalho que a fotógrafa romena Simona Rota realizou em diferentes países da antiga união soviética, podemos ver os legados arquitetônicos ostentando uma imponência que soa tão artificial quanto os discursos da dor do leste,  saudade do que nunca existiu.  Simona é parte de um grupo de pesquisa multidisciplinar do Centro de Arquitetura de Viena e viu seu projeto surgir quando catalogava arquiteturas soviéticas do período entre os anos 60 e 80.

Cheng-Chang Wu : Taihsi from Artists Wanted on Vimeo.

Esse foi o procedimento desenvolvido pelo fotógrafo taiwanês Cheng-Chang Wu. Com essa técnica, ele pode andar por Taiwan registrando diversas paisagens. A intenção de Wu não é a de mostra as belezas de sua terra, mas estabelecer um diálogo entre sua presença e o ambiente. Devemos levar em conta o conflito de gêneros desse trabalho. São autorretratos na mesma medida que são paisagens. O primeiro gênero tem como característica o desejo do artista de registrar a própria existência, de se fazer percebido na obra, decidindo como ele será apresentado. Já as paisagens tem um valor documental, um registro amplo de um lugar, na mesma medida em que nos envolve pela sua atmosfera. No caso de Wu ele se coloca no ambiente, ele está lá, porém sua face é ocultada pelo flash incandescente. Ele registra sua presença, mas seu rosto é omitido. Seria como um protesto, uma manifestação contraria a omissão social. Nesse sentido, ele questiona a maneira como a coletividade reage (ou não reage) ao meio ambiente/social em crise. Essas fotos parecem nos questionar sobre qual é a nossa postura com relação ao nosso próprio cenário, ao palco no qual se passa nossas vidas.

Todo esse desenvolvimento poderia passar batido não fosse o fotógrafo turco Ferit Kuyas ter explorado de uma maneira muito pessoal as peculiaridades desse centro econômico. Dentro do paisagismo urbano contemporâneo, uma corrente muito forte, tem buscado retratar não somente o mundo maravilhoso que a arquitetura moderna nos promete, mas promover uma visão lírica sobre a complexidade dos gigantescos amontoados de pessoas que se tornaram as megalópoles modernas. Nunca se teve tanta gente morando junta como nas grandes cidades de hoje.

Kuyas circundou a periferia de Chongqing onde a cidade não pode ser plenamente “vistas” mas sua presença pode ser “percebida, como um tigre que se move invisível pela floresta”.  As margens urbanas retratadas nesse trabalho revelam um ambiente extraordinário onde a neblina, e essa é “a cidade da neblina”, cobre o horizonte nos revelando apenas impressões do tecido arquitetônico da metrópole.  A cidade é mostrada muito longe dos estereótipos dos cartões postais. Um verdadeiro universo ficcional parece emergir das pontes, rios e prédios, nos fazendo pensar o que mais se esconde no oriente incógnito.

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O Cairo foi a cidade eleita pelo fotógrafo documentarista Jason Larkin. O tema que o interessou foi o deslocamento das elite econômica da cidade para bairros mais afastados - e mais afastados no Cairo significa deserto. Como qualquer crescimento desordenado, a cidade se tornou um caos urbano em um país no qual 40% da papulação vive com menos de 2 dólares por dia. Vemos nas fotos de Larkin a construção de um sonho no deserto, em meio as extravagancias de uma pequena parcela da população local.

O francês Gilles Deleuze, certa vez escreveu sobre o sonho das ilhas desertas. Para o filosofo o imaginário em torno do tema se pontua por duas vertentes. Uma seria a possibilidade de construção de uma sociedade nova, do zero, um recomesso. A outra vertente diz respeito ao isolamento, e por conseguinte, liberdade com relação as regras e normas sociais. Os egípcios estão claramente querendo fazer, do deserto, uma ilha deserta e lá construir uma nova sociedade. Basta ver os nomes de alguns desses projetos imobiliários - Utopia, Dreamland, The Egypt of My Desires. Querem deslocar para lá as atividades da velha cidade do Cairo, contaminada pela pobreza e desordem urbana. Os dois aspectos da teoria deleuziana estão presentes aqui, por um lado a ideia de recomeço do zero, por outro o sonho de se libertar, não das normas sociais (e aqui se tem uma variação), mas da pobreza e da loucura urbana da vida no Cairo. Esse projeto seria algo desejável, não fosse a bilheteria na porta do paraíso, deixando de fora a maior parte da população.

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Na tentativa de mostras como a natureza pode, por si só, alterar a paisagem, o fotografo Michael Marten registrou a costa britânica. Cada trabalho é constituído de duas fotos, uma na maré baixa e outra na maré alta. Para fazer esse trabalho Michael precisou estudar esse fenômeno. As marés não ocorrem em horário regular ou com amplitude fixa. Uma série de fatores faz desse um fenômeno que pode variar de alguns centímetros a mais de 15 metros. Isso depende do lugar, da época do ano, e principalmente da lua. Michael ficou 8 anos perseguindo as marés. Tempo em que testemunhou a passagem da sua câmera Wista de película 4×5 para uma Phase One digital. O processo de obtenção das fotografias pode parecer simples, mas exigiu muita habilidade e técnica. Primeiro ele teria que encontrar locais onde a variação da maré pudessem apresentar certo impacto visual. Em seguida deveria posicionar a câmera em alguns locais diferentes para conseguir algumas variações de ponto de vista – o que na maré cheia é muito corrido, afinal ela dura somente cerca de uma hora. Para posicionar a câmera novamente no mesmo lugar, ele colocava uma folha de papel translucida sobre o visor e desenhava linhas de marcação nos principais elementos da paisagem – uma montanha, uma pedra, um ancoradouro. Dessa forma ele obteve uma quantidade extraordinária de imagens impressionantes na qual a paisagem muda drasticamente.

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O segundo ponto pelo qual podemos analisar esse trabalho, é o dos objetos em si, dos  garotos. Neles podemos ver uma contradição expressa no dilema adulto/criança e o próprio processo de transição entre essas fases. Sabemos que em sociedades primitivas, para que um jovem possa entrar na idade adulta, ele deve participar de um ritual, geralmente ligado ao enfrentamento de um desafio. Uma vez passado essa etapa, sua função social muda e ele passa de protegido para protetor. Independente de nossa opinião sobre o boxe, podemos sentir esse momento ritual revivido. Não que uma mudança concreta ocorra nas vidas desses garotos, mas eles já sinalizam uma postura diferente do que esperaríamos de uma criança. O sangue no rosto fala isso. Não é uma briga de crianças, mas um combate de adultos. Essa ideia de passagem cria um espaço ainda maior entre as fotografias por maior que seja a semelhança entre elas.

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A fotógrafa americana Nadine Boughton confronta essas duas realidades em colagens muito expressivas. Os personagens das capas dos livros masculinos invadem o ambiente doméstico das revistas femininas de decoração com toda sua agressividade. Esse trabalho é marcado por contrapontos: natureza/civilização, homem/mulher, medo/desejo, sinalizando as inconsistências desse modelo de sociedade perfeita enraizado na conflito – o macartismo, a repressão sexual, a guerra da coreia, as feridas de segunda guerra mundial, desmontando a ideia da utopia conquistada pelo musculoso “homem heroico”. Para Nadine, a “intenção é mostrar como a psique interior reflete a cultura em geral”.  A colagem acaba desconstruindo uma fachada de um bem estar social, que já era denunciada pela geração beat e sua literatura ou até mesmo pelo famoso livro do fotografo suíço Robert Frank, “Os Americanos”. Sabemos o resultado disso, o grande período de contestação dos anos 60.

Olhando esse trabalho, me ponho a pensar o que será que ele poderia dizer nos dias atuais? Já não estamos perante a sociedade dos anos 50, porém sinto que estamos novamente diante de um período onde devemos questionar nossa situação social, não só nos Estados Unidos, mas no mundo inteiro, afinal nunca foi só sobre os Estados Unidos.