Por volta de 2008 estava começando a fazer pesquisas artísticas com fotografia. Na época estava muito interessado nos trabalhos que via dos anos 60 e 70 e queria explorar as possibilidades de uma arte livre e aberta. Uma das séries que mais me agradou fazer foi a série Cara Data Vermibus, cujo nome brincava com a expressão latina “caro data vermibus” (carne dada aos vermes), que deu origem a palavra cadáver. A idéia era tratar meu corpo, mais especificamente meu rosto, minha fisionomia, como carne, como matéria mole revestindo um esqueleto duro.

O retrato como gênero, tem como característica, a tentativa de mostrar a alma do retratado mais que a condição material de seu corpo. Olhamos para um quadro e vemos a subjetividade de pessoa, quase esquecemos que o que está lá é carne, mas é. Me interessou também a maneira como expressões bizarras e novas subjetividades foram aparecendo nas criaturas que ia criando em meu próprio rosto. Sinto vontade de continuar minhas pesquisas nesse campo, mas vamos ver o que acontece.

Neste começo de ano estive em Barretos e pude voltar ao antigo e abandonado Frigorífico Bandeirante, desta vez com a Raquel Borges, uma amiga que havia demonstrado interesse em conhecer o lugar. Desde pequeno eu passo próximo ao frigorífico e sinto vontade de entrar. Ele fica no começo da zona rual, perto da casa da minha mãe. Normalmente eu fotografo sozinho, é um momento de reflexão e exploração, mas com a Raquel foi bem bacana, afinal ela topou tudo, pular cerca, subir em escadarias caindo aos pedaços e entramos em cada buraco da antiga indústria. A primeira vez que fui lá, estava com pouco espaço no meu cartão de memória e tive que economizar fotos. Estava esperando um pretexto para pedir para o seu Zé, o camponês que toma conta das coisas por ali, para liberar novamente minha entrada, e o interesse da minha amiga caiu como uma luva.  As fotos da série de arquiteturas abandonadas você pode encontrar clicando aqui. Fiz algumas fotos da Raquel também (abaixo), afinal ela estava junto né.

Ninguém é imune à São Paulo. A cidade transpassa nosso limites individuais e nos invade. Não moramos em São Paulo, moramos com São Paulo. Temos que aprender a conviver com suas manias e suas extravagâncias, com seu mau humor e agressividade, mas também com suas carícias e sua luxuria. Tudo é mais intenso na metrópole.

Desde 2009, ando pela cidade com minha câmera pra registrar algumas facetas dessa selva. Logo passei a me interessar pela arquitetura em crise da cidade. O primeiro projeto foram os galpões da rua Presidente Wilson e região. Trata-se de um resquício arqueológico ainda vivo, prédios zumbis que perambulam estáticos pela cidade; lembranças dos tempos antigos, nos quais a metrópole era uma cidade industrial. Essas construções, a cada dia atropeladas pela especulação imobiliária, parecem acuadas, temerosas do seu fim que se espreita. Na verdade esses prédios já não existem mais e o fato de ainda estarem lá, funcionando, é mais um dos paradoxos urbanos de São Paulo. O que não falta nessas ruas são coisas que não existem circulando em suas quase invisibilidades.

O segundo projeto é sobre a arquitetura de caixas nas ruas atrás do Ceagesp. Um dos maiores interpostos comerciais do planeta gerando milhares de caixas de madeira direto para o lixo. Claro que uma indústria iria se instaurar aí, afinal essa matéria-prima ainda pode ser usada, mesmo que não haja nenhuma condição de higiene para isso. Caixa de madeira é descartável, mas se dermos um jeitinho, sabe como é… E assim começou, nas calçadas, a construção de verdadeiras arquiteturas – e no sentido literal, existem casas lá dentro, afinal durante a noite alguém tem que vigiar os estoques a céu aberto. Os feirantes vendem as caixas pros caixeiros, que ficam lá na rua concertando e revendendo esse material. De vez em quando, aparecem fiscais da prefeitura e quebram tudo. Os caixeiros são pessoas muito humildes que precisa disso pra viver, mas o poder público não pode permitir esse comércio. Está em implantação um projeto de utilizar caixas de plástico reaproveitáveis e assim acabar com esse comércio clandestino. Esse pessoal das calçadas vai ter que se virar como tantos outros pelas ruas da cidade, mas por hora estão lá, vivendo no limiar da própria tragédia.

Por fim tem a serie de Quebradas, uma síntese de algumas fachadas que cliquei por aí. Quis juntar construções que estão em um limite da arquitetura. Algumas abandonadas, outras improvisadas, mas todas precárias. Não quis mostrar a grande arquitetura da cidade, porque ela não é a realidade, são ilhas isoladas. São Paulo é uma cidade feia e essa é a verdade. Belas fotos da cidade são raras, mas isso não quer dizer que se possam encontrar pontos de interesse. Essa série tem como objetivo expor de uma forma estética esses resultados, muito mais das circunstancias que de engenhos estéticos de algum construtor.

Ao abordar a arquitetura, meu foco foi a experiência coletiva que é São Paulo, não como um retrato, que tem por objetivo mostra a face da cidade. Não se pode retratar esse centro urbano sem ser omisso, a pluralidade de pontos de vista e contrastes inviabiliza qualquer polarização. Por tanto não se trata de um retrato, mas de uma perspectiva. O que proponho através das arquiteturas em crise é uma reflexão sobre a formação da cidade, sobre seu processo orgânico de desenvolvimento, sem planejamento ou controle. Não é o poder publico o responsável por esse processo, ele corre independente dele. O governo está sempre atrás de controlar os movimentos espontâneos da cidade e muitas vezes se mostra incapaz ou omisso. Mas a cidade acontece, se transforma, se sobrepõe a seus próprios resto. O que retratei é uma arquitetura das necessidades que se prende ao solo como musgo em uma pedra a margem de um riu de fluxos urbanos.

Ostalgia é uma palavra que surgiu na Alemanha após a queda do muro de Berlim. Esta palavra é a junção de ost, leste em alemão e algos, que significa dor em grego. Mesmo que uma construção irregular, esse termo vem para descrever um sentimento surgido em um povo que viu seu sistema político ruir e teve que rapidamente se adaptar a uma nova realidade.

No trabalho que a fotógrafa romena Simona Rota realizou em diferentes países da antiga união soviética, podemos ver os legados arquitetônicos ostentando uma imponência que soa tão artificial quanto os discursos da dor do leste,  saudade do que nunca existiu.  Simona é parte de um grupo de pesquisa multidisciplinar do Centro de Arquitetura de Viena e viu seu projeto surgir quando catalogava arquiteturas soviéticas do período entre os anos 60 e 80.

O procedimento é simples, com dois flashes compactos, um em cada mão, o fotografo se posiciona no quadro, na paisagem que será fotografada. A exposição é longa, ou seja, a máquina ficará por algum tempo registrando a imagem. O fotógrafo aponta os flashes em direção a seus rosto. Eles são disparados assim que o obturador da máquia é aberto, porém ainda sobra tempo para o fotógrafo voltar as mãos para baixo, sem que elas tenho sido captadas. O resultado é o rosto do fotografo superexposto pela intensidade do flash, porém seus braços são registrados na posição onde permaneceram por mais tempo, ou seja, próximos a cintura. Essa técnica, de longa exposição, exige que o fotógrafo fique imóvel. Tudo é registrado lentamente, por isso, caso ele se mexa rapidamente no começo, esse movimento não será registrado, porem se ele não ficar a maior parte do tempo parado, o resultado será um fantasmas andando pela cena. Somente a luz na face, muito intensa, é registrada em um instante.

Cheng-Chang Wu : Taihsi from Artists Wanted on Vimeo.

Esse foi o procedimento desenvolvido pelo fotógrafo taiwanês Cheng-Chang Wu. Com essa técnica, ele pode andar por Taiwan registrando diversas paisagens. A intenção de Wu não é a de mostra as belezas de sua terra, mas estabelecer um diálogo entre sua presença e o ambiente. Devemos levar em conta o conflito de gêneros desse trabalho. São autorretratos na mesma medida que são paisagens. O primeiro gênero tem como característica o desejo do artista de registrar a própria existência, de se fazer percebido na obra, decidindo como ele será apresentado. Já as paisagens tem um valor documental, um registro amplo de um lugar, na mesma medida em que nos envolve pela sua atmosfera. No caso de Wu ele se coloca no ambiente, ele está lá, porém sua face é ocultada pelo flash incandescente. Ele registra sua presença, mas seu rosto é omitido. Seria como um protesto, uma manifestação contraria a omissão social. Nesse sentido, ele questiona a maneira como a coletividade reage (ou não reage) ao meio ambiente/social em crise. Essas fotos parecem nos questionar sobre qual é a nossa postura com relação ao nosso próprio cenário, ao palco no qual se passa nossas vidas.

Duas dimensões me parecem relevantes ao analisar o trabalho “Boxer” do Dinamarquês Nicolai Howalt. A primeira diz respeito ao sistema – duas fotos da mesma pessoa colocadas lado a lado, claramente antes e depois, como as propagandas de remédios milagrosos. Porem as figuras não estão mais magras, mais belas ou com mais cabelos. Tratam-se de jovens vestidos com roupas de boxe, estreantes no esporte, antes e depois do que pode ser sua primeira luta. Nesse processo, entre as duas fotos, resta uma lacuna. Um ato central, o verdadeiro motivo da foto, que porem, não está presente. É o combate, que não vemos, o ponto para o qual nossa atenção se volta. Ele está lá apenas sugerido pelos indícios. Inevitável não perceber a semelhança com a processo da própria fotografia, que carrega somente indícios dos fatos pra nos levar a ele. Não é preciso ver a luta para saber que ele ocorreu, ela está la escorrendo pelos rostos dos garotos.

O segundo ponto pelo qual podemos analisar esse trabalho, é o dos objetos em si, dos  garotos. Neles podemos ver uma contradição expressa no dilema adulto/criança e o próprio processo de transição entre essas fases. Sabemos que em sociedades primitivas, para que um jovem possa entrar na idade adulta, ele deve participar de um ritual, geralmente ligado ao enfrentamento de um desafio. Uma vez passado essa etapa, sua função social muda e ele passa de protegido para protetor. Independente de nossa opinião sobre o boxe, podemos sentir esse momento ritual revivido. Não que uma mudança concreta ocorra nas vidas desses garotos, mas eles já sinalizam uma postura diferente do que esperaríamos de uma criança. O sangue no rosto fala isso. Não é uma briga de crianças, mas um combate de adultos. Essa ideia de passagem cria um espaço ainda maior entre as fotografias por maior que seja a semelhança entre elas.

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Ah, a vida moderna… A tecnologia, o conforto, o controle sobre os perigos da natureza, o futuro sempre a nossa porta. Nos anos 50 e começo dos 60, os Estados Unidos puderam viver períodos de fartura econômica. Isso resultou em um novo modo de vida, em um ambiente de  tranquilidade e conforto e uma forte sensação de segurança. A vida domestica podia prover tudo o que se pudesse imaginar. E o resultado disso? A felicidade? Não, o tédio. A prosperidade da vida moderna pode ser (e geralmente é) entediante. Simultaneamente temos um contesto bélico vivo nessa sociedade. Homens indo e voltando de guerras. Dessa situação surge as revistas masculinas de aventura, romanceando essa experiência na figura de um guerreiro heroico.

A fotógrafa americana Nadine Boughton confronta essas duas realidades em colagens muito expressivas. Os personagens das capas dos livros masculinos invadem o ambiente doméstico das revistas femininas de decoração com toda sua agressividade. Esse trabalho é marcado por contrapontos: natureza/civilização, homem/mulher, medo/desejo, sinalizando as inconsistências desse modelo de sociedade perfeita enraizado na conflito – o macartismo, a repressão sexual, a guerra da coreia, as feridas de segunda guerra mundial, desmontando a ideia da utopia conquistada pelo musculoso “homem heroico”. Para Nadine, a “intenção é mostrar como a psique interior reflete a cultura em geral”.  A colagem acaba desconstruindo uma fachada de um bem estar social, que já era denunciada pela geração beat e sua literatura ou até mesmo pelo famoso livro do fotografo suíço Robert Frank, “Os Americanos”. Sabemos o resultado disso, o grande período de contestação dos anos 60.

Olhando esse trabalho, me ponho a pensar o que será que ele poderia dizer nos dias atuais? Já não estamos perante a sociedade dos anos 50, porém sinto que estamos novamente diante de um período onde devemos questionar nossa situação social, não só nos Estados Unidos, mas no mundo inteiro, afinal nunca foi só sobre os Estados Unidos.